untame flow stay release
Künstler:innen: Ren Loren Britton, Justyna Górowska, Anka Haller, Pia Lindman, Finnegan Shannon, Cecilia Vicuña und Jenni-Juulia Wallinheimo-Heimonen.

31.08.–29.11.2026

Eröffnung: So 30 August, 12–17 Uhr
mit Performance von Justyna Górowska und Essen von Rafael Andrade-Córdova

untame flow stay release präsentiert künstlerische Praktiken, die als Antwort auf ungerechte, umweltschädliche und ableistische Strukturen entstanden sind – Systeme, die Menschen und Gemeinschaften unterdrücken, indem sie Gewalt individualisieren und gemeinsame Erfahrungen in isolierte Kämpfe zersplittern. Das Projekt begreift den Ausstellungsraum und seine Erfahrung als eine Situation für gemeinsame Freude, Erholung und Wiedergutmachung. Dabei wird auf unterschiedliche Körper und ihre physischen und sozialen Bedürfnisse und Wünsche geachtet. Um die Kunstwerke in eine Spekulation über zukünftige, nicht-toxische und barrierefreie Räume zu erweitern, wird die Ausstellung durch eine Forschungspräsentation namens detox access spaces begleitet. Diese bringt Beiträge von Künstlerinnen, Kuratorinnen, Ausstellungsarchitektinnen und Denkerinnen zusammen, die an inklusivem, nicht-toxischem Ausstellungsdesign arbeiten.

Die Ausstellungsarchitektur von Jakob Engel verflicht die Werke der Künstler:innen, die Forschungsbeiträge und Strukturen zum Verweilen und Versammeln miteinander, sodass Kunstwerke, Materialität, Körper und Wissen miteinander fließen können.

Auf den ersten Blick scheinen der Rhein, der durch Köln fließt, und der Ausstellungsraum der Temporary Gallery zwei unterschiedliche Räume zu sein: Der eine ist „natürlich“, der andere kulturell codiert. Doch beide sind Umgebungen, die stark von menschlichen Eingriffen geprägt und kontrolliert werden. Seit Jahrhunderten wird der Rhein durch Dämme, Schleusen, Begradigungen und Uferbefestigungen reguliert – ein „gezähmter” Fluss, der industriellen, wirtschaftlichen und stadtplanerischen Interessen unterworfen ist. Ebenso ist der „White Cube” kein neutraler Raum, sondern ein architektonisch und institutionell konstruierter Rahmen, der bestimmte Körper, Verhaltensweisen und Wahrnehmungsformen privilegiert, während er andere ausschließt. Beide können durch Machtstrukturen unerträglich werden: Der Fluss trägt Spuren industrieller Verschmutzung, Chemikalien und ökologischer Ausbeutung. Der Ausstellungsraum reproduziert häufig materielle Toxizität durch Kunststoffe, Lösungsmittel und synthetische Farben sowie soziale Toxizität durch physische Barrieren, sensorische Überforderung und elitäre Zugangscodes. In beiden Fällen sind es verletzliche Körper – Menschen mit Behinderungen, chronischen Erkrankungen und sozioökonomischen Benachteiligungen –, die von diesen Bedingungen am stärksten betroffen sind.

Vom Fluss und von Bewegungen für Disability Justice zu lernen, bedeutet, das Entzähmen zu lernen: jene Strukturen zu lockern, die Wasser und Körper stauen, zurückhalten, konstruieren, disziplinieren und kontrollieren. Stattdessen sollte man responsiveren Formen von Bewegung, Sein und Begegnung vertrauen. Dabei geht es nicht einfach um Anpassung, sondern um ein revolutionäres und kreatives Potenzial, das bereits in der Praxis liegt: Räume und Umgebungen für Menschen mit unterschiedlichen Bedürfnissen, mit Behinderungen oder chronischen Erkrankungen zu schaffen. Diese Veränderungen machen die Welt für alle besser – geräumiger, verständlicher und nachsichtiger gegenüber unterschiedlichen Zeitrhythmen und Arten des Daseins. Gelebte Räume zugänglich zu machen ist in diesem Sinne keine Einschränkung des Designs, sondern eine radikale Methode, Ausstellungsmachen neu zu denken – für alle.

Die in dieser Ausstellung gezeigten künstlerischen Positionen reagieren auf vielfältige, kunstvolle und fesselnde Weise auf diese Herausforderungen.

Pia Lindman präsentiert eine neue Ton-Skulptur-Instrument-Arbeit, die auf "manaus" zurückgreift, einem finnischen Begriff für einen gesungenen Zauberspruch, der die Kräfte der Welt bündelt, um Veränderung herbeizuführen. Das Werk, das dazu gedacht ist, auf oder nahe dem Wasser zu sitzen, funktioniert als Klangverstärker, der die Stimme und die Vibrationen des Flusses zurück in das Flussbett leitet. Ihre Animation „Collectivities Cycle: Embodied Wefts” vereint Farben, Formen und Figuren, die die Künstlerin als subsensorische Empfindungen während kollektiver Heilungssitzungen erlebte. Jenni-Julia Wallinheimo-Heimonen präsentiert eine skulpturale Installation aus einem modifizierten Rollstuhl sowie das Zwei-Kanal-Video „How Great Is Your Darkness”. Mit diesen Arbeiten tritt sie dem medizinischen Modell von Behinderung humorvoll entgegen und zeigt, wie die Welt anders sein könnte. In Ren Loren Brittons Drei-Kanal-Videoinstallation „Coalition Constellation: Constellating Reparations” werden historische und zeitgenössische Geschichten erfolgreicher Koalitionsbildung zwischen behinderten, trans*, Roma-, Sinti- und anderen marginalisierten Gemeinschaften versammelt. Dazu gehört auch die Kampagne für Reparationen und die Ambivalenzen, die deren gegenwärtige Ausgestaltung umgeben. Die Sternbilder des Nachthimmels werden aus der Perspektive kollektiven Überlebens und kollektiver Solidarität neu gedeutet, anstelle überlieferter, patriarchaler Mythen. Zusätzlich werden tragbare, barrierefreie skulpturale Sitzinterventionen gezeigt, die bei der Temporary Gallery gemietet werden können. Sie laden trans*,crip und queere Körper in Köln dazu ein, sich in einer natürlichen Umgebung auszuruhen, zu begehren und sich zu positionieren.

Justyna Górowska präsentiert eine Version von Hydrosex Call, einer interaktiven Virtual-Reality-Umgebung. Dort können Besucher:innen mit einer KI-Wassernymphe ins Gespräch kommen, die dem Körper der Künstlerin nachempfunden ist. Zudem können sie eine Unterwasserwelt erkunden, in der sich organische und technologische Formen begegnen. Auf diese Weise werden die Themen Wasserknappheit, Verschmutzung und Verlust der Biodiversität behandelt. Finnegan Shannon steuert mehrere auf den ersten Blick unscheinbare, jedoch in ihrer Wirkung radikale Interventionen bei: kleine Katzenbrunnen, die mit Wasser aus dem Rhein gefüllt sind und die Präsenz und den Klang von Wasser in das häusliche und behinderte Leben bringen; eine Trinkwasserstation, die den Besucherinnen kostenloses Leitungswasser in wiederverwendbaren Bechern anbietet und die Hydration – ein oft übersehenes Zugangsbedürfnis, besonders für behinderte Menschen bei extremer Hitze – als eine Form der Fürsorge behandelt, die direkt in den Ausstellungsraum eingebaut ist. Eine Uhr, die nur den Wochentag anzeigt – ihr einziger Zeiger vollendet eine langsame Umdrehung alle sieben Tage – lädt dazu ein, Zeit auf sanftere, „langsamere” Weise zu erleben.
In Cecilia Vicuñas Film Un Nudo Vivo (The Living Knot) wird eine partizipative Performance auf einer Brücke aus der Kolonialzeit in Santiago de Chile dokumentiert. Dabei schlossen sich Passant*innen der Künstlerin an, um ungesponnene rote Wolle zu einem kollektiven Knoten zu verweben und so die Erinnerung an ein durch Verschmutzung geschädigtes Flusstal wachzurufen. Anka Haller zeigt eine Serie kleinformatiger Acrylgemälde, die die Verwandlung einer jungen Frau in eine Meerjungfrau nachzeichnen. Diese Figur ist an Land von Regeln und Zwängen gebunden, entdeckt aber unter Wasser eine neue Dimension der Freiheit. In einem gegenständlichen, mitunter fragmentarischen Stil halten die Gemälde diesen emotionalen Übergang von Zwang zu Befreiung fest und greifen damit das übergreifende Interesse der Ausstellung an Wasser als Ort der Befreiung von auferlegten Strukturen auf.

detox access spaces

Die Ausstellung wird von der Forschungspräsentation detox access spaces begleitet. Diese erweitert das Projekt um eine kritische Reflexion zeitgenössischer Ausstellungspraxis und ihres kulturellen Kontexts. Ein Kontext, der häufig sterile, universalistische Räume privilegiert, die den Sehsinn und Distanz betonen und dabei verkörperte, sinnliche Erfahrung unterdrücken. In Anlehnung an Audre Lordes Begriff des Erotischen als Quelle von Macht plädieren wir für Ausstellungsumgebungen, die Unvollkommenheit, Materialität und die Sinne umarmen. Wir spekulieren über inklusives beziehungsweise nicht-toxisches Ausstellungsdesign und stellen uns Räume vor, die aktiv Einschüchterung, Ausschluss oder Entfremdung widerstehen und stattdessen Komfort, Zugänglichkeit und geteilte Handlungsfähigkeit fördern. Die Forschungspräsentation versammelt Beiträge einer großen Gruppe von Künstlerinnen, Kuratorinnen, Ausstellungsarchitektinnen und Denkerinnen, die die verkörperten Bedingungen für Kunst und Kultur radikal verändern, indem sie körperliche Sensibilitäten in ihr Denken, ihre Arbeit und ihre gelebte Erfahrung einbeziehen. Zu den Beitragenden von detox access spaces zählen Jos Boys, Amanda Cachia, Saverio Cantoni, Richard Dougherty, Jakob Engel, Hatiye Garip, Lichen Hamraie, Isa Hukka, Vappu Jalonen und Elis Hannikainen, Alison Kafer, Lisa Klosterkötter, Daniel Kotowski, Pia Lindman, Zofia Nierodzińska, Jenni-Juulia Wallinheimo-Heimonen und andere.

Das Projekt versteht sich insgesamt als Katalysator, der einen umfassenderen Prozess radikaler Zugänglichkeit für Menschen mit Behinderung, chronischen Krankheiten und marginalisierten Gemeinschaften befürwortet und in die Tat umsetzt. Dabei wird Zugänglichkeit nicht nur als physische Barrierefreiheit von Ausstellungsraum und kultureller Produktion verstanden, sondern auch im Hinblick auf die umfassenderen Bedingungen für ein lebenswertes Leben in unseren Umgebungen – für Einzelpersonen und Gruppen, die in der normierten kulturellen Produktion und im Ausstellungsmachen marginalisiert werden.

Für den 15. November 2026 ist ein Performance-Tag am Rhein in Köln geplant, der in Zusammenarbeit mit Raphael Daibert und Nada Rosa Schroer kuratiert wird.

Kuratiert von Jussi Koitela und Aneta Rostkowska
In Zusammenarbeit mit Lisa Klosterkötter.

Förderung und Unterstützung:
Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen
Kulturamt der Stadt Köln
Postcode Lotterie
Finnland-Institut
Deltax contemporary
Hotel Chelsea

Bilder:
1–2. Justyna Górowska, Hydrosex Call, 2025, multimediale Installation und Performance. Fotos: Jan Koszewnik.
3. Justyna Górowska, Hydrosex Call, 2025, multimediale Installation und Performance.
4. Jenni-Juulia Wallinheimo-Heimonen, How Great Is Your Darkness?, 2024, Filmstill. Foto: Rasoul Khorram.
5. Jenni-Juulia Wallinheimo-Heimonen, How Great Is Your Darkness?, 2024, Filmstill. Foto: Cristal Alakoski.
6. Ren Loren Britton, ´Coalition Constellation´: Constellating Reparations, 2025, Drei-Kanal-Videoinstallation, Installationsansicht. Eine Drei-Kanal-Videoprojektion zeigt die Milchstraße in einem dunklen Raum, mit Sternen, die über den Köpfen projiziert werden. Die Audiodeskription der linken Projektion lautet: „Der Klang der Benennung des Sternbilds ‚TIA Trans* Inter Agender'." In der Mitte des Raums steht ein Traum-Tisch mit 3D-gedruckten Elementen, die Planetariumsmaschinen ähneln und sich laut zu fragen scheinen: Was projizieren wir in die Zukunft?
7. Finnegan Shannon, Have you ever fallen in love with a clock? – Saturday, 2021, Uhrwerk (Day Clock), DiBond, Uhrzeiger, Farbe. Foto: Uli Gebert. Courtesy die Künstlerinnen und Deborah Schamoni.
8. Cecilia Vicuña, Un Nudo Vivo / A Living Knot, 2017, HD-Video, Filmstill.
9. Pia Lindman, H2OMANAUS – Underwater Manaus for the River Váh, Videostill, Dokumentation der Performance H2OMANAUS, Aqua Vitae, Trenčín 2026.
10-11. Pia Lindman, Collectivities Cycle: Embodied Wefts, 2024, Animation aus digitalen Malereien, Animationsstills.